Terre Thaemlitz

Terre Thaemlitz es un artista multimedia premiado. Escritor, orador, educador, mezclador de sonido, Dj y promotor de la casa Comatonse Recordings.

Su trabajo combina la crítica a diferentes temas de identidad socio-política– incluyendo los problemas de género, la sexualidad, etnias y racismo – con una visión crítica sobre la producción mediática comercial.

Esta diversidad de temas está igualada por la amplia gama de estilos que ha abordado Thaemlitz como productor y creador, que incluyen la música por ordenador electroacústica, club oriented deep house, jazz digital, ambient, y solos de piano neo-expresionistas compuestos por ordenador… en sus Macs.

Hablamos con Terre sobre música electrónica, “Meow” y temas maqueros.

Terre Thaemlitz creció en Springfield, Missouri. Ha vivido en Nueva York durante once años, y en Oakland/San Francisco durante cuatro años, hasta que finalmente se trasladó hasta su actual hogar en Kawasaki, Japón.

Trasladó su estudio “Meow” al área metropolitana de Tokio en 2001.

Meow es el centro de las producciones de Terre Thaemlitz. Todos los álbumes y remixes de Terre se gestaron en Meow, incluido ‘Superbonus’ , Premio Ars Electrónica en 1999.

Hola Terre, ¿qué tal? Decidiste trasladarte a Japón hace algunos años… ¿Puedes explicarnos que motivos te impulsaron a irte a Japón? y también, ¿podrías contarnos como fue la creación de Comatonse Recordings en 1993?

Desde luego, empecemos con “Comantose Recording”, desde el principio. Nunca me propuse entrar en la producción musical y pasó por casualidad. Antes de montar mi sello, era un DJ… un DJ con poco éxito. Conseguí ser bombardeado por pinchar tracks desconocidos, y rechazaba incluir las grabaciones de las casas comerciales.

En un momento dado, mientras era DJ en Sally´s (un sex-worker Club Transexual bastante conocido) fui elegido como “Mejor DJ 1991” por las chicas, pero fui despedido por los jefes un mes más tarde porque rehusé poner las grabaciones de sellos más importantes (si no recuerdo mal, incluía una grabación de Gloria Stefan). Fue un época difícil para mí en varios aspectos, como DJ fui etiquetado como “del ambiente”, “activista”, etc.

Viviendo en Nueva York podía comprar los discos que me gustaban, pero no podía encontrar un simple club para ponerlos. (Es importante saber que todos esos clásicos tracks de New York, todos tesoros en la actualidad, apenas fueron escuchados durante esa época, y los clubs estaban dominados por el mismo reinado DJ que está haciendo girar Nueva York todavía- no había ni hay oportunidades para otra gente).

Decidí comenzar a producir temporalmente mi propia música, originalmente con el sencillo objetivo de que así podría contactar con casas de grabación y coincidiría con esa gente que me gustaba oír y solía comprar pero que nunca oía y no podía interpretar en los clubs.

Así, con alguna calderilla, publiqué lo primero de Comatonse “Comatonse.000.”

Desde entonces el sello Comantose ha seguido siendo pequeño, y todavía se basa en vinilos principalmente.

No hay programa ni fechas de lanzamiento – las cosas salen cuando se tercia (y la economía lo permite). Los distribuidores de Comatonse (Cisco and Lexington) tienen sus sedes ambos en Japón, y es aquí donde se trabaja más con DJs y producciones orientadas a clubs.

Puesto que se distribuyen poco, la gente fuera de Japón puede adquirir estas producciones a través de mi web (www.comatonse.com).

La historia de como llegué hasta Japón es compleja – y tiene que ver con temas privados. Todavía no tengo una respuesta rápida para esta pregunta, que es un tópico, es lo primero que me preguntan todos… algunos factores que contribuyeron son: No estaba nada feliz en Estados Unidos. No tenía conexión económica con América (la mayoría de mis trabajos están en Europa y después Japón).

Mis proyectos generalmente incluyen una crítica al mercado del “disco”, y como en Japón es como los Estados Unidos en el sentido de que no hay financiación pública para las artes, eso fuerza una conexión directa entre mi trabajo y el mercado del consumidor (mientras que si viviera en Europa seguro que estaría en los círculos del “arte subvencionado”, pero lo que hago implica críticas y estoy menos interesado en ese circuito)…etc.

Uno de los principales motivos por el que estoy interesado en quedarme aquí indefinidamente es por el sentido de seguridad y respeto – que es importante para mi como persona transgenérica. Nadie me insulta por la calle. En Japón, si no le gustas a alguien te ignoran. En América te insultan y pegan. Aunque mis amigos trans aquí encuentran el silencio opresivo a veces, para mi el silencio es oro. Y para ser honesto, la mayoría de la gente es muy simpática aunque sean recelosos sobre el transgénero. Pueden estar “objetualizando” a veces, pero generalmente tienen buen fondo.

Terre en su estudio.
Fotógrafo: Takashi Yashima, de “sound & recording magazine”

Háblanos por favor sobre tus experiencias con los Macs. ¿Cuándo comenzaste a usarlos? ¿Qué hard y software usas como compositor, DJ y en Comatonse Recordings?

Usé mi primer Mac cuando salieron (en 1984?) MacPaint y todos esos programas gráficos “high tech” (jaja)

Cuando empecé a hacer sonido en 1991 usaba “Dr. T’s Beyond” en un SE, con JL Cooper SyncMaster MIDI interface (que todavía funciona en mi 7100/66). “Beyond” era un estupendo secuenciador Midi. Estoy seguro que todo el que lo haya usado está de acuerdo. Era bastante sofisticado para su época, con “sensaciones humanas”, algoritmos, etc.

Unos años después me hice con un 7100/66 con una tarjeta Sound Designer II. Todavía me encanta Sound Designer por su sencilla playlist y por sus capacidades de edición rápida, así que es una de las cosas que mantengo aun funcionando en el 7100.

Utilizaba Opcode’s Studio Vision Pro para secuenciar. En esa época tenia un “trabajo de verdad”, en el que conocí a Erik Dahl, quien produjo el Segundo trabajo de Comatonse Recordings (“Anti-Instrumentations,” que contenían la primera grabación hecha usando C-Sound.ppc en un PowerMac, las primeras realizadas por el mismo Erik). Trabajábamos en el Cornell Medical College, y unos de mis empleos fue gestionar la Apple Student Reseller shop.

Así que es obvio, empecé a usar C-Sound.ppc y otras aplicaciones como Hyperprism y AudioSculpt. Todavía prefiero usar aplicaciones específicas para procesar, y entonces importo los archivos desde un editor. El sonido que solo se basa en plug-ins y Max-MSP tiende a sonar “de receta”.

Escuchando, podéis adivinar fácilmente que programa ha usado la gente…

Como la mayoría de la gente de la música electroacústica se basa aún en la música preformateada, estos sonidos reconocibles fácilmente llegan a ser verdaderamente tediosos. Hay muy poco desarrollo en la mayoría de trabajos producidos, y me aburre mucho y me molesta que sólo parecen tener la huella del software que están usando.

Ahora uso un G4 PowerBook con MOTU828 interface, todavía uso más el OS9.2 ya que no puedo permitirme tantas actualizaciones de software.

He usado la PVNation, el software de Christopher Penrose en OSX, para producir parte de mi último álbum “Lovebomb“.

Desgraciadamente, el CDR/DVD en mi modelo de G4 es un trapo, y tengo que cambiarlo ya.

El actual disco duro (el tercero) también falla en la carga y lectura de discos, pero es muy frustrante seguir enviando a reparar mi ordenador principal.

Trabajo solo y eso me fastidia bastante. Otros amigos que compraron este mismo modelo en la misma época tienen el mismo problema con el CDR… ya sabéis como va eso.

Antes cuando estaba en la tienda Apple Reseller siempre había elementos de este tipo que no tenía calidad para volver a usarlos, y siempre había problemas con los mismos componentes…

Creo que un aspecto importante de la música electroacústica es que para muchos de nosotros es realmente una música de bajo presupuesto. La intersección, el punto en común no es sólo “la última moda” de la tecnología, ya que se trata de una mala e insuficiente tecnología. Odio cuando la gente se hace ideas románticas sobre “la fuerza liberadora de la tecnología”, con imágenes a lo “Matrix” por ordenador o cosas de ese tipo que llegan. Desde lo que yo veo, la realidad para la mayoría de nosotros (especialmente sin apoyo institucional) es estar sin presupuesto, software craqueado, shareware… es lo que hay. Intento discutir e incorporar ese aspecto de la producción en mi trabajo, más que lo ocultarlo.

“Megacorporate tools” no nos lo manda gratis. Son literalmente lo opuesto a “free” gratis- ¡cuestan pasta! (ja ja.)

“1977 marca el principio de “Rubato Series” (Alemania: Mille Plateaux) que recopila emotivos neo-expresionistas solos de piano dedicadas a bandas legendarias techno-pop de los 70’s. Las primeras tres grabaciones son de música de Kraftwerk, Gary Numan y Devo respectivamente”. -Podemos leer en tu web- sobre la ironía de las ”Rubato Series” y su emotiva ejecución, (mas de una vez catalogadas como “virtuosas” por la prensa musical) que son música por ordenador”. ¿qué te parecen ahora que han pasado años desde que se hicieron? ¿cales son tus ideas sobre la composición musical?

Una gran parte de las Rubato Series (igual que mi jazz improvisado influenció grabaciones dance en Comatonse bajo en genero “Fagjazz”) es que juegan sobre las expectativas del consumidor sobre la música en “vivo”.

”Die Roboter Rubato” Solos de piano por ordenador de títulos de Kraftwerk

Están programadas para sonar desde esa emoción “romántica” que se da en vivo – desde el corazón, incluyendo errores, etc. Pero de hecho, no puedo tocar el piano ni otro instrumento convencional, así que las melodías están insertadas nota a nota, entonces uso el secuenciador Midi y alterno momentos “sucios” de improvisación en tiempo real. La combinación de orden y desorden de los registros estéticamente son resultado de un arduo entrenamiento personal con una habilidad para salirme de las reglas a veces, pero estos proyectos incluyen textos que revelan que estas grabaciones no son en “vivo” en absoluto.

El objetivo de estos proyectos era mostrar como funciona la música, en términos de señales de audio, que el consumidor asocia con conceptos de “talento natural”, aunque la producción actual sea completamente artificial y un “fake.”

“Replicas Rubato” interpretando temas de Gary Numan

Entendiendo la música como una manera de discurso –un lenguaje construido que confía en nuestra capacidad de reconocer y asociar elementos sonoros – es un elemento subyacente importante en todos mis proyectos.

La razón por la que pienso que el sonido es un buen medio para discutir sobre identidades es que, asociamos la música con “quienes somos”. Desde la infancia construimos conexiones entre la música y nuestra identidad – nos gusta el rock, el country, hip hop, electrónica, punk, noise… todas dicen cosas sobre “quienes somos”.

Particularmente en la adolescencia, interiorizamos tanto estas asociaciones que el sonido que consumimos se hace inseparable de nuestras experiencias emocionales. Conectamos con la música desde el “corazón”, se acepta incesantemente la seducción universal de la música, y así en la practica los diferentes estilos de música que oímos nos sirven para no ser sino universales.

Las tensiones entre géneros musicales nos ponen en guardia, en batalla contra nuestros padres, etc… En mi caso, la música electrónica, su “key appeal” fue lo que no fue el rock´n roll, y generalmente no les gustaba a los que sí les gustaba el rock, cosa que fue importante porque el rock´n roll era la música preferida de los que me humillaban y pegaban en el colegio cada día! (ja, ja)

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Así, en mis proyectos que tratan invariablemente sobre costumbres y modos de identidades culturales (género, sexualidad, racismo, etnias, etc.) creo que el sonido (comparado con las artes visuales y la literatura) es todavía un medio pequeño en el que aun se ha hecho poco para deconstruir la música para una “propaganda de identidad”.

Mucha gente que oye música, y los productores, todavía argumentan que la música y el sonido existen en un nivel superior, por encima de la sociedad o de contextos culturales. Mi esperanza es romper ese discurso momentáneamente, a través de mis producciones y actuaciones.

Mis actuaciones se muestran siempre con una imagen de transgénero, donde son habituales los conciertos, lecturas de monólogos y shows y son una alternativa a la imagen convencional de las drag queen y los éxitos disco. Este concepto de “lip-syncing” y pantomima es una parte importante también de mis actuaciones – sin negar a la audiencia de una transparencia y completa sensación de haber visto algo “en vivo”. Sin embargo, prefiero que la gente se vaya a su casa con la sensación de que no han visto un concierto de música en absoluto –y que la decepción que sienten puede ser un camino para comprender sus propias expectativas sobre la “música en vivo”.

Aunque no he hecho un concierto de “Rubato” hace varios años, fueron un excelente ejemplo de está clase de confusión sobre lo que se hace “en vivo”, sobre lo que es “interactivo”, y lo que esta “pre-grabado”. La situación general solía ser el tener una sala con teclados, ordenadores ( y preferiblemente un gran piano rematado con varios monitores, micrófonos cableados y otros apoyos, cuantos más mejor). Al principio yo parezco estar tocando, pero en un momento dado, simplemente me paso a la situación opuesta –como la música de piano puede llegar a ser increíblemente rápida, ahí simplemente pongo mis manos en mi regazo. No pensareis que eso es algo muy radical, pero siempre causaba una mezcla de risas y gritos de asombro – incluso desde el escenario solía escuchar a la gente diciendo “¡Oh, se ha equivocado!”. Al final de la velada la audiencia solía estar dividida entre los que pensaban que era una especie de broma (siempre riéndose), los que consideraban que era un poco de virtuosismo high-tech y trataban de entender el aspecto técnico del show (como lo que yo hacía modificaba el sonido a través de los numerosos ordenadores) y los que estaban en desacuerdo con la actuación porque les parecía un “fake” grabado. Solían llegar a ser bastante ruidosos, con alguna gente riéndose, mientras otras personas les sermoneaban seriamente por hacerlo. Para mí, estas performance para la audiencia tenía solo el interés mismo de “performar”, interpretar.

El concepto de interpretación en escena ha sido bastante desacreditado, y lo encuentro totalmente aburrido (yo nunca voy a shows) pero esto es lo que los productores encuentran para que nos ganemos la vida, y es lo que la gente quiere ver. Así que intenté crear espectáculos que ayudasen a la audiencia a mantenerse en el acto de observar – y creo que la confusión y la discusión son dos de las mejores maneras para hacer pensar a la gente para qué han acudido… especialmente en la música electrónica experimental, un medio en el que la gente espera lo inesperado, pero de hecho quieren lo que esperan ver (por ejemplo, un tío sentado tras el resplandor de su PowerMac haciendo ruido durante una hora).

Si cambias la fórmula un poquito (y en nuestros presupuestos, un poquito es lo máximo que podemos cambiar generalmente) la gente se siente desorientada – para bien o para mal. En general, pienso que es para bien.

El diseño gráfico, la fotografía, la ilustración, la palabra y el vídeo juegan un papel importante en los proyectos de Thaemlitz’. En el Festival Avanto 2003 en Helsinki, inauguraste el festival con “Lovebomb”. Has viajado alrededor del mundo con esta performance. ¿Cuál es la idea del proyecto “lovebomb”? ¿Cómo intervinieron tus Macs?

El “Amor”, como la “música”, es otro concepto considerado generalmente como “universal” y sin fronteras. “Lovebomb/Ai No Bakudan” trata sobre los conceptos del amor dentro de las construcciones sociales establecidas, y revisa cómo aprendemos a canalizar nuestras emociones a través de maneras construidas como “el amor”, expresiones aceptadas que varían tremendamente en contenidos de un sitio a otro (incluidas subculturas dentro de una única sociedad). En particular, estaba interesado en desglosar como se relacionan el amor y la violencia y dan pie uno a otra, como oposición al concepto convencional de que el “amor” es la cura para la violencia.

“Lovebomb/Ai No Bakudan”

En particular, el modelo post-industrial de amor de Occidente (el amor de Hollywood) tiende a reflejar las diferencias occidentales entre el espacio público y privado. En privado, las relaciones amorosas como “familia” y ”amante” crean contextos sociales en los que se mantienen, se dan abusos emocionales y físicos (violencia doméstica, etc.), aunque la gente nunca soñaría ejercer o padecer tales abusos en el ámbito publico. Igualmente, en el ámbito público, el amor se asimila como un bien comunal que se manifiesta a través del nacionalismo y fanatismo religioso extremo, justificando actos de violencia para proteger el estilo de vida que amamos. En ambos casos, el amor es una justificación de la violencia. Aunque el amor sirve para acercar, para unir la sociedad, familia, amantes, etc. Hoy el amor separa y nos aísla en un microcosmos –lo más opuesto a lo que habitualmente entendemos que el amor deba hacer. En occidente, donde el amor es una extensión más de las diferencias entre lo público y lo privado, el amor se convierte en cómplice de las tendencias exclusivistas de estas categorías.

El proyecto en audio y vídeo se produjo primero en mi G4 PowerBook (incluido el software de Chris Penrose PVNation, como se menciona más arriba), aunque también trabajé con algunos sonidos en mi 7100/66 en el antiguo programa. Cuando actúo ahora, mi Mac se queda en casa (o lo llevo al escenario como herramienta para manejar el vídeo que suele empezar con una imagen del escritorio de mi ordenador, y es divertido que el publico vea la imagen de mi escritorio por que creen a veces que es una proyección desde mi ordenador).

Como en la mayoría de mis performances electroacústicas, las herramientas en vivo son un elemento introductorio y de dialogo con la audiencia. Aunque mis actuaciones en escena puedan ser muy performance como en las Rubato Series, el tema de “Lovebomb/Ai No Bakudan” es bastante complejo así que desarrollé un vídeo con imágenes, textos para situar la idea y mostrarla al público.

De nuevo, no pensareis que fue algo radical, pero como el proyecto es denso suele pasar generalmente que algunas personas me piden que pare el vídeo para poder concentrarse en “escuchar la música” – a lo que sólo puedo contestar: “cierra los ojos” (ja, ja)

Tus teorías sobre la música han sido publicadas en un montón de libros, prensa especializada y periódicos y revistas. Thaemlitz colaboró con Jane Dowe, un periodista musical y productor asociado a U.S. university computer music programs, para la producción “Institutional Collaborative.”

Este álbum fue la primera colaboración de Terre con otro productor de música por ordenador e indaga sobre las relaciones mutuas hacia el mercado ambivalente de Ambient, de la prensa de música y de la música formal o academicista.

Otras colaboraciones han dado incluido tracks de voces pop “China Doll (Kill All Who Call Me)” con Chiu-Fen Chen, y “Sometimes a Girl Loves a Boy” con Hanayo; también como ayudante de Zeitkratzer en la remasterización de sus trabajos acústicos seleccionados para el catálogo de Comatonse. ¿Cómo ves las tendencias actuales de la música electrónica? ¿Qué veremos (y oiremos) en el futuro?

Terre en la portada de la revista WIRE

Creo que la tendencia de la música por ordenador es todavía formalista y conservadora, en general. Económicamente, fuera de lo comercial, sólo queda el camino de la performance, actuando. Las orquestas de portátiles y la tendencia a mostrarse teóricamente a si mismas como fuera del mundo de la performance – no les importa lo que pasa en el escenario- sin embargo están en escena y aceptan ese hecho de choque frontal con el público sin conflictos.

Desde luego, hay un montón de conflictos para comprender el paradigma del escenario que va más allá de los intérpretes. Nuestros manager son promotores que no nos ofrecen otras opciones de experimentar- performar, los presupuestos se ajustan y hay muy poco margen y nos nos queda otra cosa que un margen mínimo para poder mostrar en escena nuestras experimentaciones, se nos lleva un día antes de las actuaciones al lugar con apenas tiempo para conectar con la gente del sitio, etc… La situación se acentúa a veces por la apatía descerebrada de muchos productores. Sólo se preocupan por los promotores y la audiencia.

Yo también. Estoy todavía en ese plano, aunque creo que sigo ahí hablando de lo aburrido que es estar ahí (ja,ja ) Es muy difícil llegar a un equilibrio entre mis contenidos desde el punto de vista crítico (lo que quiero decir y hacer) y no pasar totalmente del promotor que ha pagado el viaje hasta su país, me paga un alojamiento, dietas, etc. Durante mi estancia! (ja, ja)

Es raro que los promotores musicales me inviten de nuevo, por segunda vez. La gente que me invita a volver no son generalmente gente de la industria conocida en los conciertos, sino gente de organizaciones que esta implicada en temas sociales, y de ahí más que todo interesada en la clase de lenguajes que espero transmitir.

Imagino que en el futuro tendremos más variaciones del mismo tema. La gente creerá que la tecnología esta transformando la sociedad, y los sonidos y las imágenes cambiarán, pero no veo ningún dato para creer que la gente los perciba en sus modos y métodos a través de un sentido cultural más crítico. Especialmente desde que las casas de grabación tienen tantos problemas en la transición a los formatos de audio para descargar, los productores dependen cada vez más de las actuaciones para crecer. La dependencia económica tiende a hacer que la gente toque sobre seguro (yo incluido).

Cuéntanos, por favor, ¿cómo crees que el soft de Apple podría cambiar el modo de trabajo de los músicos? ¿qué opinas de la iTunes Music Store, este nuevo marketing de música on-line?

Desde que los gráficos y los escritos son aspectos fundamentales de mi trabajo, estoy frustrado con la supresión del embalaje con la música de descarga en la red. Esta es una gran restricción para el discurso que rodea también a la música. En términos de calidad gráfica, tipografía y otros aspectos importantes del diseño visual de los trabajos, internet tiene muy poco que ofrecer.

Los navegadores no son compatibles con algunos códigos (y desafortunadamente Microsoft, con su mierda de productos en primera fila y estrategias, acapara claramente el mercado).

No hay una experiencia única de un único producto. Desde un punto de vista filosófico, puedo imaginar a alguno intentando convencernos de que es liberador… que somos liberados por la vida cómoda… pero no hay nada liberador en un medio que es totalmente controlado por la empresa “mega-corporate technological devices and software”.

Solo estamos más atados a la máquina. Más bien como con la capacidad de grabación de discos, qué tamaño de iPod llevamos viene a ser la nueva etiqueta de quienes somos. No estoy entusiasmado con él. Me gusta la posibilidad de tener cosas en un disco duro, pero creo que la tecnología aún es escasa en calidad. Sería curioso mirar que se desarrollará dentro de los diez próximos años, y que (si hay algo) nos permite incorporar un diseño gráfico y elementos escritos .

Thaemlitz ha participado también en debates en Europa y Japón. Has estado en España hace poco hablando de las condiciones socioeconómicas y la repolitización del espacio sexual en “Arteleku”, en el País Vasco, por ejemplo. ¿Cómo fue tu experiencia como orador y educador de la teoría queer aquí?

Terre en el Electronikaldia 2000, en San Sebastian.
En una performance en Japón y en Stuttgart, Alemania

Desgraciadamente mi calendario sólo me permitía estar allí dos días, y no pude ver ninguna de las otras charlas. Pero pude hablar con muchos de ellos-as (por ejemplo con Laurence Rassel (cyberfeminista) de Constant, cosa que me divirtió mucho. Me sorprendí muchísimo al escuchar que Arteleku ayudaba a llevar miembros de público a lo largo de la semana que duraron los actos. Nunca había oído sobre subvenciones para la audiencia.

Thaemlitz también montó una “banda” con un performer Japonés y una ex miembro de “After Dinner”, Haco, que se llama Yesterday’s Heroes. Su álbum de debut, “1979”, realizado a fines del 2003 por the French bedroom label La Louche Qui Fait Deborder le Vase, rememoran un muestreo de temas del techno-pop de los 80s’. ¿Cuales son tus próximos proyectos musicales?

El trabajo con Haco fue un auténtico honor. Mis colaboraciones previas fueron siempre grabaciones en discos, así que era la primera vez que trabajaba con ella en la misma habitación.

After Dinner me influenció mucho en mi adolescencia, así que fue emocionante por completo. Es un ingeniero excelente, que es mi lado más lento en el estudio, así que fue verdaderamente estupendo trabajar con ella.

Desde entonces he hecho 2 proyectos más:

“Trans-Sister Radio,” un programa de radio realizado desde el departamento de arte dramático de la Hessischer Rundfunk (Frankfurt). Trata sobre la migración de transgénero y el viaje, costumbres de sanidad, controles de pasaportes, etc. Espero que este grabado para 2005 en un CD en Mp3 /texto para descargar.

“Routes not Roots” es mi nuevo álbum dance que forma parte del proyecto llamado K-S.H.E (Kami-Sakunobe House Explosion). Actualmente estoy en negociaciones con una casa japonesa y espero que salga en este año 2005 también. El proyecto surgió a raíz de mi participación habitual Deep House en Tokio, en “DJ Sprinkles Deeprama”.

Mezcla una amplia gama de temas sociales tales como identidad versus estado inmigrante; comunidad versus violencia tranny-en-tranny; autenticidad versus descontextualización cultural; imágenes del movimiento abierto gay afro-americano versus sexo gay en Down-Low; inocencia contra fantasías de violencia infantil; etc.

Hay ejemplos mp3 y más gráficos on-line en: http://www.comatonse.com/releases/k-she/

Debo mencionar también a “DJ Sprinkles’ Deeperama Mix CDR Series,” que son series en vivo de mezclas DJ en diferentes eventos en Japón, a las que estoy invitado.

“Deeperama” (actuacion de T.Thaemlitz el 14 de enero 2005 en Tokio

”Happiness is…” leer a este músico vanguardista aquí ;o)

¿Vanguardista? “No way am I out front!”. Estoy justo a medio camino, sólo intento encontrar medios de comprender como hacemos y oímos cosas hoy… (ja, ja)

Muchas gracias por tu tiempo. ¡Suerte para Terre y Comatonse!

Links:

http://www.comatonse.com/