Teatro y Macs: Entrevista con Té a tres

Cuando se trata de ofrecer una experiencia multimedia en directo, la creatividad y los Mac son excelentes compañeros de escenario.

Té a tres es el nombre de la compañía que presenta “Ser Dos”, un montaje escénico multimedia en el que la música (a cargo de Biel Pons) y la vídeoanimación (a cargo de Gustavo Muñoz y Victoria Contreras) se aúnan sobre la escena con la interpretación y la danza de Aina Moreno, con dirección de Juan Muñoz.

Por lo que he podido ver, la obra que tenéis ahora mismo en cartel es un auténtico espectáculo multimedia, reunión de fotografía, cine, ilustración, representación, … ¿fue fácil decidir cómo se iban a resolver las diferentes partes del texto?

Bueno, fue un trabajo paulatino, a medida que fuimos desarrollando la primera parte del proceso de creación. Lo primero que hicimos, una vez que nos planteamos la posibilidad de llevar a escena el relato de Agustín García Calvo, fue realizar un estudio del texto, un análisis de lo que el texto decía, qué nos sugería, y luego cómo se podía plasmar todo eso encima de un escenario.

Y fue entonces cuando vimos que el propio relato nos daba la posibilidad de que varias partes del mismo pudieran ser contadas acompañándose de vídeo, de música y de danza. Y esto era debido a que, al releer la historia y discutir las partes que lo componían, vimos que era un relato en primera persona que se estructuraba en partes descriptivas de acción, en las que se contaba directamente lo que al protagonista le había pasado hacía unos años, y partes reflexivas, en las que se recapitulaba y se reflexionaba sobre lo que estaba pasando en la historia. Eso nos permitía incluir partes de videoanimación, a modo de flashbacks de lo que el personaje pensaba o recordaba, aunque todo de una manera más estética que psicológica, en el sentido de que lo que aparece en pantalla son imágenes metafóricas que completan la narración, que en esos momentos se desarrolla bien con voz en off, bien con voz en directo.

En resumen, el trabajo de adaptación consistió, al menos al principio, en intentar imaginar cómo podíamos expresar mejor cada una de las etapas de la historia, y entonces buscar los medios artísticos para desarrollar las mismas, fueran estos vídeo, danza, movimiento, música, interpretación, o una conjunción de varios de éstos, que es lo que al final más predomina. Usamos los medios que mejor pueden funcionar, a nuestro entender, en cada momento de la obra.

Los ensayos deben resultar dificultosos hasta que lo que ocurre en pantalla realmente corresponde con lo que queréis expresar… y supongo que para un montaje así debe ser fundamental conocer muy bien a los distintos artistas implicados ¿Verdad?

Hay distintos aspectos que tienen que ver con los ensayos. En primer lugar, y empezando por el final de tu pregunta, efectivamente los artistas implicados nos conocemos muy bien, hasta el punto de que tenemos lazos personales de unión entre nosotros (por ejemplo, dos de nosotros somos hermanos), y tenemos en común que todos confiamos en la calidad artística de los demás. Es uno de esos casos en los que trabajamos con quienes queremos realmente trabajar, y eso es una suerte enorme. En segundo lugar, la trayectoria profesional, en este caso, tanto de los encargados de la videoanimación como del músico, es suficientemente sólida como para que nos podamos sentir tranquilos a la hora de depositar en ellos la responsabilidad estética de cada una de las tareas. Y es que esta obra se ha montado a tres bandas.

No ha sido un encargo de la parte teatral a las otras dos partes (musical y visual), sino que la obra se ha ido elaborando, construyendo, a base de interacciones, de opinar unos sobre los otros, y así íbamos depurando cada parte, y claro, cuando tienes a otros artistas que están opinando sobre lo que tú haces, eso hace que te crezcas, porque hay un componente crítico muy importante que impide que termines encerrado en ti mismo. En tercer lugar, la actriz/coreógrafa tuvo en todo momento versiones previas tanto de la música como de los vídeos y eso le permitió ir montando las coreografías y los pasajes interpretativos con un material muy cercano al definitivo durante todo el tiempo de ensayos, y a la vez, estuvimos grabando ensayos y enviándolos a los encargados de vídeo para que vieran cómo se colocaba la actriz, dónde, etc.

Las voces en off las grabamos con una mesa de mezclas pequeña y un iMac, lo que permitió que la actriz pudiera grabarse ella misma, sin tener que depender, como ocurría hace unos años, de disponer de un estudio de grabación.

Esto hace que el trabajo sea mucho más cómodo, y más productivo, al tener los instrumentos de trabajo en casa. Y todo esto teniendo en cuenta que los implicados vivimos en dos ciudades diferentes (Palma de Mallorca y Valencia) y que todo el proceso de intercomunicación e intercambio de previos, de movies, etc., se hizo a través de Internet, con un servidor hotline en el que íbamos depositando los archivos, y comentando nuestro trabajo.

Y siendo un engranaje tan elaborado, me imagino que queda poco espacio para la improvisación…

Evidentemente la utilización de recursos escénicos digitales supone una medición precisa del tiempo y hace que la actriz, en este caso, tenga que tener una gran capacidad rítmica y un gran sentido del tiempo. Por suerte, en este caso es así, y no sólo no hubo problemas, sino que en ciertos pasajes este supuesto corsé que es que todo esté ya fijado en un tiempo determinado, ha supuesto una ventaja en cuanto a ritmo general, ya que el hecho de que la actriz tenga que amoldarse siempre a un minutaje concreto asegura que el ritmo general de la obra será siempre el que toca, que no habrá bajones de ritmo.

Indudablemente, este minutaje estricto no tiene que suponer en ningún caso que el espectador perciba rigidez, y ese es el trabajo de la actriz: que parezca que todo se desarrolla de una manera natural. Y eso creo que lo hemos conseguido.

De todas maneras, hay partes de la obra que no llevan vídeo y que dependen totalmente de la actriz y de su propio ritmo interpretativo, pero estas partes, para que sea una buena actuación, no pueden decaer, tienen que seguir un ritmo general, que es el de toda la obra. Pero esto es algo muy común en teatro, un arte en el que el tempo de la obra lo es casi todo, es casi tan importante como el texto, o el movimiento.

Realmente, no somos una compañía que confíe en la improvisación por encima de la preparación. Se improvisa en los ensayos, para crear, pero al público no se le puede ofrecer algo que no sabes qué será. En las funciones hay una base importantísima de técnica y de dramaturgia fijada de antemano, y luego si se da la circunstancia, se improvisa si es necesario.

Pero no se puede montar un espectáculo serio a partir de la improvisación pura y sin ensayos. Poniendo un ejemplo simple, es como si un violinista interpreta una partitura sin haberla visto nunca o si la interpreta habiéndosela estudiado. En el segundo caso la interpretación será más lograda, y la tranquilidad que produce tenerlo ensayado y medido permite un despliegue mejor de la creatividad.

¿Cómo reacciona el público ante un montaje tan poco convencional?

Lo primero que percibimos fue que la gente, mientras está viendo la obra, se queda en silencio, muy callada, y al final de la obra, al menos hasta ahora, aplauden con ganas. La sensación que tenemos nosotros es que no se esperan lo que ocurre, que les sorprende ver en teatro la utilización de las imágenes de vídeo como un recurso más del teatro.

También nos han comentado que se sorprenden por la integración entre vídeo, música e interpretación. Nos han comentado ya varias veces que les llama la atención lo igualadas que están las artes, que la música, la interpretación, la danza y la videoanimación están en un mismo nivel, que no hay unos recursos supeditados a otros.

Creo que la respuesta en general es muy generosa con nosotros, teniendo en cuenta que no es un montaje ligero, no es una comedia frívola ni un bodevil, sino que es una obra compleja que requiere la atención del espectador, y creo que el público responde muy bien manteniéndola. Y eso nos alegra, ya que hoy en día se nos intenta inculcar a todos que el público es tonto y que hay que ofrecerles sólo banalidades y entretenimiento superficial, y nosotros pensamos que el público es inteligente y que el interés y la curiosidad no están reñidos con la calidad. Aparte, el relato ayuda mucho, ya que engancha desde el principio y nos cuenta una historia verdaderamente interesante y que habla de todos nosotros.

¿Se parece el resultado al texto original ;-)?

La obra mantiene el monólogo original completo, a excepción de 2 frases, si no recuerdo mal, que hacían referencia a la escritura (el texto original es un escrito), y que no tenían sentido en una puesta en escena.

Pero todo lo demás es exactamente el mismo texto, ya que estábamos muy interesados en mantenernos fieles al mismo porque una de las cosas que nos atrajo más del relato es el tipo de lenguaje que se usa, un castellano precioso y que actualmente casi está dejado de lado, con unos giros y unas construcciones muy ajustadas, muy expresivas, y en muchos casos muy poéticas.

En cuanto al significado del relato, creo que se mantiene intacto. Lo único que hemos hecho es poner en imágenes y en sonido lo que nosotros imaginamos que el protagonista pensaba o soñaba. Hemos desmenuzado el texto y le hemos dado volumen, le hemos puesto paisajes visuales y sonoros a las reacciones y sueños del protagonista y eso es lo que presentamos.

¿Qué partes del montaje se han realizado en Mac?

Toda la parte técnica. Efectos especiales, animación, edición, música, todo está hecho en Mac.

¿Qué macs utilizáis?

Para la música y el audio en general se utilizó un PPC 7300/200, que cumplió a la perfección con su último trabajo musical (poco después de acabar esta obra, el músico lo sustituyó por un G4, y dedicó el 7300 a tareas de oficina).

La grabación de voces se hizo en un iMac/400 DV.

El vídeo se grabó en DV y se trasladó directamente, a través de firewire, a los Macs.

Los efectos especiales se trabajaron en un G4/733 y la animación en un G4/533.

La edición final se realizó en un G4/400.

El resultado final se volcó otra vez en DV. Para descartar pasos intermedios, se proyecta en escena, a través de un vídeoproyector, directamente desde una cinta DV.

Así evitamos la codificación mpeg-2 que supondría guardar el resultado final en DVD.

¿Qué programas utilizáis para las distintas partes del espectáculo… música, ilustración, película…?

Para la música se utilizó Cubase. Para los efectos especiales se utilizaron varios, entre ellos AfterEffects y Electic Image. Para la animación se usaron Moho, Flash, Painter… y para la edición final, Final Cut Pro y Premiere.

A juzgar por lo que se ve en el vídeo, parece un montaje bastante redondo, completo en todas las dimensiones del arte ¿Creéis que habeis encontrado la forma de expresión que os gusta en Té a tres, o el próximo montaje será completamente distinto?

Eso nunca se sabe, todo dependerá de qué sea lo próximo, de cuál sea el montaje y qué necesidades expresivas tengamos. Igual hacemos un montaje con candilejas, una silla y una guitarra española, o un montaje con vídeo, con 3D, con hologramas, o con lo que sea. No lo podemos saber a priori, pero al fin y al cabo, todo esto son sólo recursos al servicio del hecho teatral, sólo son herramientas.

Aunque la utilización de recursos digitales audiovisuales nos parece algo muy útil en el teatro, y seguramente lo utilizaremos, siempre y cuando estos recursos se adecúen al montaje que tengamos entre manos.

Nosotros usamos Macs para trabajar, para escribir, para pintar, para hacer música, para diseñar, para jugar, para comunicarnos, desde hace muchos años, y es normal que a la hora de crear los usemos, de la misma manera que antes se usaban los pinceles, los lápices, los buriles, el óleo, los violines, los es manuscritos o lo que fuera.

Un Mac es una herramienta con posibilidades y ventajas que antes no había, como por ejemplo el poder deshacer el trabajo en el momento, probar y borrar, guardar ingentes cantidades de pruebas de cada paso, aplicar técnicas o estilos prefijados y modificarlos, en fin, es la herramienta del presente y sería estúpido no utilizarla.

Otra cosa es que en cada montaje teatral usemos los medios que requiramos. En ningún caso meteremos tecnología por el simple hecho de meterla, sino para conseguir resultados artísticos. Al fin y al cabo, para hacer teatro no hace falta nada de esto, basta con un actor y un espectador. Pero si está al alcance de nuestra mano y lo creemos beneficioso para el resultado final del montaje, lo usaremos.

¿Estáis ya preparando un nuevo montaje o todavía seguís presentando Ser dos? ¿cuánto tiempo estará en cartel?

Bueno, los montajes teatrales suelen tener una vida bastante larga, dependiendo de la aceptación del público, claro, y nosotros estrenamos hace poco. Pero lo habitual es que si hay una respuesta correcta, un montaje puede durar varios años, ya que hoy en día es prácticamente imposible para una compañía independiente y de reciente creación, como la nuestra, conseguir funciones diarias. No tenemos prisa (aunque trabajamos sin pausa), estamos buscando funciones por todo el o español y por cualquier sitio que requiera nuestros servicios, ya sean teatros, festivales, ferias, eventos de multimedia, etc., ya que este espectáculo, al ser una comunión de artes diversas, permite ser representado en muchos sitios.

Por otra parte, como es en castellano, pensamos que tenemos un público potencial por toda América latina y por los circuitos hispanos de EEUU. Pero lo primero es conseguir que Ser Dos viaje por España y, si podemos, que se represente en el máximo de ciudades y pueblos posibles. Eso es ya trabajo de gestión y comercialización, algo que es realmente complejo y que requiere contactos, mucho tesón y paciencia. Estamos en ello, y abiertos a cualquier tipo de propuesta, claro.

En cuanto a si estamos preparando un nuevo montaje, eso siempre está en marcha. Una vez se ha estrenado algo, la mente ya empieza a darle vueltas a nuevos proyectos. Y en nuestro caso es así. Como decimos en el programa de mano, “crear es jugar, tan seriamente como sólo los niños lo hacen”. Ya tenemos varias ideas en la cabeza, y hay alguna que parece que ya va tomando forma. Necesitaremos un tiempo para jugar con ellas, y ver qué dan de sí. Pero ahora es tiempo para representar Ser Dos, por una parte, e ir dejando que las ideas de futuros proyectos maduren por sí solas.

No nos ponemos nunca plazos fijos para la creación. Como en la cocina, cada cosa requiere su tiempo de cocción para que esté en su punto.

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FICHA ARTÍSTICA

Dos

Aina Moreno

Dirección

Juan Muñoz

Dramaturgia

Aina Moreno y Juan Muñoz

Coreografía

Aina Moreno

Música

Biel Pons

Vídeo y animación

Gustavo Muñoz

http://www.gustavom.com

Gráfica y animación

Victoria Contreras

http://www.victoriacontreras.com

Fotografía

Paco Pons

Nando Esteva

Producción

Té a tres

te.a.tres@obras.net

http://www.teatres.org